Faut-il souffrir pour faire de la musique ?

03 Juin  de  Léna De Firmas  |     |  Temps de lecture: 6 min

Dans l’imaginaire collectif, la musique est souvent le produit de la douleur. Le blues vient des champs de coton, le rock du mal-être adolescent, le rap de celui de la rue, la folk des cœurs brisés, le metal de la rage, et la chanson française… d’une rupture au petit matin ? L’idée romantique de l’artiste qui transforme ses cicatrices en mélodie est bien ancrée. Mais faut-il vraiment souffrir pour faire de la musique ?

Le mythe de l’artiste maudit

Kurt Cobain, Amy Winehouse, Ian Curtis, Mac Miller… l’histoire de la musique regorge de figures abîmées. On y retrouve des artistes géniaux, avec toutes les « qualités » qui peuvent venir avec le génie : fragilité, excès, addictions ou vécu difficile. Le mythe a la peau dure : plus l’artiste souffre, plus l’œuvre est profonde.

Mais finalement, est-ce qu’on ne confondrait pas deux choses : la sincérité et la douleur ? Un morceau peut être bouleversant parce qu’il vient d’une blessure, mais il peut aussi l’être parce qu’il est juste, que la mélodie de la voix s’accorde à merveille avec celle de la prod, que le son d’un violon nous attrape au plexus.

Les difficultés que tu rencontres peuvent nourrir une chanson, mais elles ne garantiront jamais le talent. En clair, souffrir ne suffit pas. Tu peux enregistrer une démo à 3 heures du matin après t’être fait larguer, mais le lendemain matin, quand tu la réécoutes, il ne reste parfois pas beaucoup plus que l’émotion pure… 

La souffrance peut déclencher l’inspiration… mais elle ne fait pas la chanson

Les épreuves que l’on traverse donnent de la matière pour composer. Certaines chansons existent parce qu’un artiste avait besoin de survivre à quelque chose, d’exprimer sa souffrance, et, finalement, de mettre au monde ce qui le brûlait à l’intérieur.

Mais une fois l’émotion sortie, il reste le travail : la structure, l’arrangement, le placement de la voix… quitte à parfois sacrifier un couplet (même chargé symboliquement) pour le bien du rendu final. C’est précisément là que le mythe du pur « cri du cœur » trouve sa limite : un bon morceau n’est pas seulement une décharge émotionnelle, c’est une émotion organisée, et même le morceau punk le plus sauvage a besoin d’une structure. En d’autres termes, si la douleur peut allumer l’étincelle, elle ne remplace pas le savoir-faire.

Attention au culte toxique de l’artiste en galère

Il y a d’ailleurs un véritable danger à glorifier la souffrance : ce cliché pourrait faire croire qu’aller mal est une condition essentielle pour être artiste, comme si un.e musicien.ne heureux.se était forcément moins profond, ou que prendre soin de soi rendait « moins rock ».

Et c’est là que ça peut déraper : quand dormir, manger correctement, poser des limites ou refuser l’autodestruction deviennent des signes de faiblesse artistique, le mythe n’est plus seulement faux, mais devient carrément toxique.

La réalité, c’est que le mal-être (fatigue chronique, anxiété, addictions, problèmes financiers, etc.) empêche très souvent de créer. Il rend difficile le travail dont on parlait précédemment. Beaucoup de musicien.nes ne manquent pas de douleur. Ils manquent de temps, d’espace, d’argent, de sommeil, d’un local de répète correct, d’un ordinateur qui ne plante pas, d’un ingénieur du son qui écoute vraiment…

La vraie question n’est donc pas seulement : faut-il souffrir pour faire de la musique ? Elle est aussi : pourquoi laisse-t-on encore autant de musicien.nes souffrir pour pouvoir en faire ?

La joie est sous-estimée

Il est urgent de réhabiliter une idée simple : la joie aussi peut être à l’origine d’un bon morceau. Car la musique n’est pas uniquement un exutoire, c’est aussi un jeu. Et ce mot n’a rien de péjoratif ! On « joue » d’un instrument, et l’aspect ludique est souvent ce qui permet de passer des heures à travailler sur trois petites minutes de musique.

Être musicien.ne, ou artiste en général, c’est bien sûr ressentir. Mais il faut aussi beaucoup de patience, de l’écoute… et une certaine tolérance à la frustration. Parce qu’un son qu’on a en tête ne sort jamais exactement comme prévu. Cette difficulté-là n’est pas nécessairement de la souffrance, mais plutôt de l’effort. Et l’effort peut être sain : il peut fatiguer sans pour autant détruire, et nous plonger dans un état d’euphorie, voire de plénitude.

La musique demande de l’intensité, pas forcément du malheur

Et si on considérait plutôt que faire de la musique, c’est transformer une énergie ? Et cette énergie peut venir de la tristesse, de la colère, du désir, de la joie, de l’ennui, de la curiosité ou même d’un sample qui donne envie de bosser dessus pendant des heures.

Chez Gearnews.fr, on le sait : un bon riff inspiré peut naître d’une déception sentimentale… mais il peut tout aussi naître d’une nouvelle pédale de guitare qui t’inspire ! Dans la même idée, un beat peut venir d’une période sombre, comme d’un plug-in (en solde évidemment) qui t’inspire plus que les autres de par ses présets et ses fonctionnalités. De même, une chanson peut naître d’un chagrin comme d’un fou rire ou d’une grosse jam en répétition.

En d’autres termes, l’inspiration est parfois très concrète et n’a pas forcément à venir d’un sentiment (ou d’une douleur!) particulier. Le matos ne remplace pas l’inspiration, mais il peut la provoquer. Souvent, il donne envie, et l’envie peut être un moteur aussi puissant que toute autre émotion.

Conclusion

La souffrance peut être derrière de grandes chansons. Elle en a produit, et en produira encore. Mais elle n’est pas une condition obligatoire, ni une garantie de qualité. Ce qui compte, c’est la capacité à transformer une expérience en son. 

Le mythe de l’artiste maudit est dépassé, et la musique ne demande pas d’aller mal, mais d’être présent : vivre, écouter, chercher, prendre des risques. Et, surtout, prendre soin de soi est une condition pour faire de la bonne musique, comme le dit si bien Théo dans cet article.

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