Notre masterclass de guitare de 10 minutes pour débutants
Une leçon de 10 minutes pour les nouveaux guitaristes
Tu en as marre de jouer sans réfléchir et tu veux monter en niveau ? On a décidé de partager l’une de nos masterclass express pour les nouveaux guitaristes pour t’aider à utiliser la gamme la plus connue : la gamme pentatonique.
Table of Contents
Qu’est-ce qu’une gamme pentatonique ?
Certains d’entre vous ont peut-être reçu une guitare en cadeau à Noël. Et cherchent ainsi par où commencer. Il n’y a pas de processus magique « secret » pour accélérer le processus d’apprentissage. Cependant, tu rencontreras la gamme pentatonique partout, c’est donc par là qu’on te recommande de commencer.
Dans cette leçon, nous nous concentrons donc sur la gamme pentatonique. Contrairement aux gammes majeures ou mineures, qui contiennent sept notes, la gamme pentatonique est simplifiée à seulement cinq notes par octave. Elle est donc beaucoup plus simple à apprendre et beaucoup plus facile à utiliser lorsque tu improvises.
C’est le point de départ idéal parce qu’elle sonne bien presque immédiatement, ce qui te permet de te concentrer sur la façon dont tu joues plutôt que sur ce que tu joues.
La gamme pentatonique en la mineur : ta nouvelle meilleure amie
Ici, on va se pencher plus particulièrement sur la gamme pentatonique mineure. Elle est souvent considérée comme la « base » des guitaristes de rock et de blues. Pour commencer, tu dois trouver la note fondamentale sur ton manche.
Voici le schéma complet de la gamme, de la corde la plus grave à la plus aiguë :
- Corde Mi grave : jouer la 5e case, puis la 8e case
- Corde La : jouer la 5e case, puis la 7e case
- Corde Ré : jouer la 5e case, puis la 7e case
- Corde Sol : jouer la 5e case, puis la 7e case
- Corde Si : jouer la 5e case, puis la 8e case
- Corde Mi aiguë : jouer la 5e case, puis la 8e case
Le schéma ci-dessous te montre une représentation visuelle de cette gamme pentatonique mineure de La, et les notes fondamentales « A » sont indiquées par des points rouges.
Comment s’entraîner efficacement
Les nouveaux guitaristes se précipitent souvent, mais la règle d’or, c’est la lenteur et la régularité. Concentre-toi entièrement sur le fait de jouer chaque note proprement plutôt que rapidement. Par chance, il n’y a pas de grands écarts ici, et la gamme peut être jouée dans une seule position, sans avoir à déplacer la main le long du manche de la guitare.
Métronome
Pour développer un sens professionnel du rythme, on ne peut que te conseiller de t’entraîner avec un métronome ou une boîte à rythmes. Tu peux même en télécharger sur ton smartphone pour te lancer. Cette habitude simple va resserrer ton sens du rythme et rendre ton jeu bien plus assuré.
On te recommande ce modèle abordable de Thomann, car il contient tout ce dont tu as besoin et un accordeur chromatique intégré.
Conseil principal
Il est évidemment nécessaire de pouvoir s’enregistrer. Là encore, la plupart des smartphones ont des applications d’enregistrement audio intégrées qui fonctionneront très bien.
Réécouter ton propre jeu peut révéler des habitudes approximatives que tu ne remarques pas quand tu es concentré·e sur tes doigts. Si la gamme complète te paraît trop lourde, découpe-la en sections plus petites et maîtrise seulement deux cordes à la fois.
Conserve ces enregistrements, afin de pouvoir les réécouter et remarquer ta progression. Tu t’amélioreras et ces enregistrements te permettront de suivre tes progrès au fil du temps. Si tu as une « mauvaise journée de guitare », va t’écouter jouer il y a six mois et tu verras à quel point tu t’es amélioré·e.
Fais de la musique !
Beaucoup de joueurs se contentent de « monter et descendre » la forme de la gamme. C’est un bon exercice physique, mais ce n’est pas de la musique — c’est juste réciter de l’information. Pour transformer une gamme en mélodie, nous devons identifier nos notes cibles.
Dans la gamme pentatonique mineure de La, les notes fondamentales (A) sont la base de ton son. Elles représentent le point de départ. Dans la position que nous venons d’apprendre, tu peux trouver ces notes fondamentales (marquées en rouge sur le schéma) à la 5e case de la corde de Mi grave, à la 7e case de la corde de Ré, et à la 5e case de la corde de Mi aiguë.
Savoir où se trouvent ces notes te permet de résoudre tes phrases. Au lieu de terminer une phrase sur une note aléatoire, essaie d’atterrir sur une note fondamentale pour donner à ton solo un sentiment d’achèvement.
Techniques d’expression
Une fois que tu connais les notes, tu peux changer la façon dont tu les touches pour créer une émotion : hammer-ons, pull-offs, bends, vibrato, etc. Ce sont ces techniques qui transforment une gamme mécanique en un solo plein d’âme.
L’approche des « trois zones »
Pour éviter que ton jeu ne ressemble à un exercice ennuyeux, nous pouvons diviser mentalement la forme de la gamme en trois « zones » ou boîtes distinctes. Cela te permet de te concentrer sur des zones tonales spécifiques.
Zone 1 (grave) : riffs lourds et rythmiques
Zone 2 (médium) : phrases mélodiques classiques
Zone 3 (aiguë) : leads perçants et expressifs.
En isolant ces zones, tu peux expérimenter des idées mélodiques dans un espace plus restreint. Utilise la note fondamentale (dans ces exemples, le La) dans chaque zone comme point d’ancrage pour guider ton improvisation.
Passer au niveau suivant
Une fois que tu maîtrises la forme de base et les trois zones, ne t’arrête pas là : explore différents rythmes (shuffle blues, groove funk), perfectionne ton vibrato, apprends la gamme dans d’autres positions, et joue avec d’autres musiciens pour progresser encore plus vite.
Continue d’affiner ton bending et ton vibrato, et apprends la gamme pentatonique dans différentes positions sur le manche. Cela te permettra de découvrir l’ensemble du manche et de ne jamais être à court d’idées.
Phraser
Considère tes doigts comme les cordes vocales d’un chanteur. Au lieu de simplement pincer une corde, tu peux changer le caractère d’une note en utilisant différents mouvements.
Plus tôt, on a mentionné les hammer-ons, les pull-offs, les bends et le vibrato. C’est avec ces techniques qu’on peut faire chanter notre guitare.
Les slides permettent de glisser vers une note par le haut ou par le bas, créant un son fluide et lié. Glisser vers une note fondamentale paraît plus intentionnel et plus élégant que d’attaquer directement la case.
De la même façon, le bend permet d’atteindre des notes « entre » les frettes. En poussant la corde, nous créons un effet plaintif ou aérien qui imite le contrôle de la hauteur chez un chanteur.
Le vibrato est sans doute l’outil de phrasé le plus personnel. En faisant légèrement osciller la corde après avoir joué une note, nous ajoutons de la tenue et du « scintillement ». Un vibrato lent et large sonne dramatique et lourd, tandis qu’un vibrato rapide et serré peut paraître nerveux ou très énergique.
Espace et silence : La technique du « souffle »
L’une des erreurs les plus fréquentes commises par les guitaristes est de jouer une avalanche de notes : un flot constant de sons sans aucune pause. Pour y remédier, essaie la technique de l’expiration.
Imagine que tu es un saxophoniste; tu ne peux jouer que tant que tu as du souffle dans tes poumons. Prends une grande inspiration et, en expirant, joue ton morceau. Lorsque tu manques d’air, tu dois arrêter de jouer pour reprendre ta respiration. Ce silence forcé crée un « espace négatif », qui permet à l’auditeur de digérer la mélodie que tu viens de jouer.
Le silence est souvent plus puissant que les notes elles-mêmes.
On te recommande vivement d’écouter Charlie Parker et John Coltrane, car en tant que guitaristes, nous pouvons beaucoup apprendre de leur phrasé. Les saxophonistes sont vraiment une excellente source d’inspiration quand tu joues de la guitare.
Call and Response
Il s’agit d’une technique de narration classique utilisée dans le blues et le rock. Imagine ton solo comme une conversation entre deux personnes.
Tu joues un morceau court et simple qui pose une question (le Call). Puis, tu enchaînes avec une « réponse » (la Response).
La réponse peut utiliser le même rythme que l’appel mais se terminer sur une note différente, ou être jouée une octave plus haut. Cela crée un flux logique que le cerveau de l’auditeur peut suivre, ce qui donne à ton solo l’impression d’une histoire cohérente.
Variété rythmique et dynamique
Si chaque note a le même volume et la même longueur, ton jeu ressemblera à celui d’un ordinateur. Pour ajouter de l’âme, expérimente avec la dynamique: commence une phrase avec une touche douce, semblable à un murmure, puis monte progressivement en puissance jusqu’à « crier » lorsque tu atteins le point culminant de ton solo.
On peut aussi jouer avec le décalage rythmique (rhythmic displacement). Au lieu de toujours démarrer un lick sur le premier temps, essaye de commencer légèrement en retard. Jouer derrière le temps donne un feeling détendu et riche, tandis que jouer un peu en avance apporte de l’urgence et de l’énergie.
Sors ton métronome et utilise-le pour travailler ton timing.
Et ensuite ?
Ce voyage musical ne se termine jamais, et c’est ce qui rend l’apprentissage d’un nouvel instrument si fantastique.
Je te conseille toujours d’utiliser tes oreilles pour capter la musique que tu entends autour de toi. Une autre technique pratique consiste à fredonner ou à chanter les notes pendant que tu les joues sur ta guitare, car cela aidera ton cerveau à faire le lien et te sera très utile au fur et à mesure que tu progresseras.
Chaque fois que tu as l’occasion de jouer avec d’autres musiciens, saisis-la, et dans l’idéal, joue avec des musiciens plus avancés que toi, car c’est un excellent moyen d’apprendre de nouvelles choses et de te dépasser.
Développe tes callosités au bout des doigts, vas-y doucement au début et profite autant que possible !
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